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Quelles formes musicales définissent l’ère baroque?

Alors que l’on continuait à utiliser des formes d’époques antérieures, telles que le motet ou certaines danses, l’intérêt pour la musique en tant que rhétorique a suscité le développement de nouveaux genres. De nombreuses formes associées à l’époque baroque découlent directement de cette nouvelle impulsion dramatique. On citera notamment l’opéra, l’oratorio et la cantate. Dans le domaine de la musique instrumentale, la notion de contraste et le désir de créer des formes à grande échelle ont donné naissance au concerto, à la sonate et à la suite.

Opéra: Il s’agit d’un drame principalement chanté, accompagné d’instruments et présenté sur scène. Les opéras alternent généralement entre des chansons récitatives (qui font avancer l’intrigue), et des airs (des chansons dans lesquelles les personnages expriment des sentiments à des moments particuliers de l’action). Les chœurs et les danses sont également souvent inclus pour enrichir la trame dramatique.

L’avènement du genre au tournant du XVIIème siècle est souvent associé aux activités d’un groupe de poètes, musiciens et savants à Florence, connu aujourd’hui sous le nom de Camerata florentine.

Le premier opéra survivant fut Dafne de Jacopo Peri, d’après un livret d’Ottavio Rinuccini et joué à Florence en 1598. On peut ausi citer Orfeo de Claudio Monteverdi (1607), qui encore joué jusqu’à ce jour. Les sujets des premiers opéras sont tous tirés du mythe grec, reflétant les alliances étroites du genre avec des tentatives de recréer la musique et le théâtre des cultures antiques, et ont été joués uniquement dans les milieux aristocratiques.

Lorsque les premiers opéras publics ont ouvert à Venise en 1637, le genre a été modifié en fonction des préférences du public. Les chanteurs solos ont acquis une sorte de statut de célébrité, ce qui a permis de mettre davantage l’accent sur l’aria. C’est ainsi que la récitation devient moins importante et les chœurs et les danses ont pratiquement disparu de l’opéra italien. Les réalités financières de la mise en scène de productions d’opéra fréquentes ont également eu un effet. Les effets scéniques spectaculaires associés à l’opéra à la cour ont été grandement minimisés et des livrets ont été construits pour tirer parti des dispositifs scéniques classiques.

Au début du XVIIIème siècle (particulièrement à Naples), deux sous-genres d’opéra devinrent évidents: l’opéra seria, qui mettait l’accent sur des sujets graves, et l’opéra buffa, dont le ton était plus léger, même comique. La tradition italienne de l’opéra a progressivement dominé la plupart des pays européens. À la fin du XVIIème siècle en France, Jean-Baptiste Lully, né en Italie, et le librettiste Philippe Quinault ont créé une version française de l’opéra connue sous le nom de tragédie-lyrique.

Oratorio: C’est un drame musical étendu avec un texte basé sur un sujet religieux, destiné à une performance sans décor, sans costume ni action. Le terme oratorio désignait à l’origine une salle de prière, un bâtiment situé à côté d’une église conçue comme un lieu propice à des expériences religieuses distinctes de la liturgie.

L’oratorio, en tant que genre musical distinct, a émergé au milieu de l’excellente acoustique de ces espaces au début du XVIIème siècle. Vers le milieu du XVIIème siècle, les oratorios se produisaient dans des palais et des théâtres publics et ressemblaient de plus en plus à des opéras, bien que le sujet, la division en deux parties (plutôt que trois actes) et l’absence de mise en scène le distinguent toujours. Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti et Antonio Vivaldi font partie des compositeurs associés au genre en Italie.

L’oratorio a également gagné en popularité dans d’autres régions d’Europe. Dans l’Allemagne protestante, la musique dramatique composée pour être utilisée dans l’église luthérienne a été progressivement fusionnée avec des éléments de l’oratorio, notamment par l’inclusion de textes non bibliques. La passion de l’oratorio, comme on allait l’appeler, a culminé dans les grandes œuvres de J. S. Bach.

Parmi les autres exemples bien connus en dehors de l’Italie figurent les oratorios anglais de George Frideric Handel, qui ont popularisé le genre à Londres. Des œuvres telles que Messiah, Israël en Égypte et Judas Maccabæus restent les favoris de l’auditoire à ce jour.

Cantate: C’est une pièce longue composée d’une succession de récitatifs et de pièces de théâtre telles que des arias, des duos et des choeurs. Originaire du début du XVIIème siècle en Italie, la cantate a débuté sous la forme d’une œuvre laïque composée pour voix seule et basse continue, sans doute destinée à être interprétée lors de rassemblements privés.

Plusieurs de ces œuvres ont été publiées, suggérant qu’elles ont été interprétées par des musiciens professionnels et amateurs. Au milieu du siècle, les cantates étaient publiées moins souvent, ce qui donne à penser que les performances furent de plus en plus réalisées par des professionnels.

À la fin du XVIIème siècle, les cantates ont commencé à incorporer l’aria da capo et comportaient souvent des accompagnements orchestraux. Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella et, dans la première moitié du XVIIIème siècle, Alessandro Scarlatti, Haendel, Benedetto Marcello et Johann Adolf Hasse figurent parmi les principaux compositeurs de la cantate italienne.

En dehors de l’Italie, le genre en expansion du motet luthérien a commencé à incorporer de nombreux éléments de la cantate italienne, en particulier des techniques d’expression dramatique comme le récitatif et l’aria. Les nombreuses cantates de Bach montrent la grande influence de leurs homologues italiens.

Concerto: Dérivé du terme italien concertare (réunir, unir), le concerto a pris plusieurs formes pendant la période baroque. Jusqu’au début du XVIIIème siècle, un concerto était simplement une composition réunissant un ensemble diversifié composé de voix, d’instruments ou des deux. Les œuvres sacrées pour voix et instruments étaient souvent appelées concertos, alors que les œuvres laïques similaires étaient généralement appelées arie (airs), cantates ou musiche.

Bien que des œuvres de Claudio Monteverdi soient composées de concertos sacrés à grande échelle, les compositions plus intimes pour une à quatre voix et les instruments solos supplémentaires étaient beaucoup plus courants. En Allemagne, on trouve de merveilleux exemples du concerto sacré dans les œuvres de Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt et Heinrich Schütz.

Suite: Inspirée du traditionnel mariage de danses de la Renaissance, la suite a été la première œuvre multi-mouvements pour instruments. La suite était essentiellement une série de danses dans la même tonalité, la plupart ou la totalité en deux parties.

Vers le milieu du XVIIème siècle en Allemagne, la séquence de l’allemand, de la courante, de la sarabande et du gigue devint relativement standard, bien que d’autres mouvements de danse, tels que des allemandes supplémentaires ou des courants, des bourrées, des gavottes et des menuets fussent souvent insérés.

La plupart des suites ont également commencé par un mouvement d’introduction (prélude, l’ouverture ou fantasia). Pour de nombreux compositeurs baroques, les différentes danses incarnaient des caractères spécifiques.

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